在收看西方主流媒体直播的屏幕，齐齐黑屏，或跳出了“技术故障”的提示。
现场一片哗然！观众们错愕，随即明白了对方的意图——输不起，要强行中断直播，掩耳盗铃！
然而，就在西方信号中断的下一秒！
华夏中央电视台的直播镜头，稳稳地推近了特写。信号不仅没有中断，反而通过华夏自己的卫星网络和国际合作渠道，以更强的清晰度、更广的覆盖范围，向全球播送！
解说员平静的声音在多语种频道响起：“……由于某些技术原因，部分国际信号中断。这里是华夏中央电视台，我们将继续为您完整呈现本次交流会实况……”
以彼之道，还施彼身！你们想切断画面？我们帮你们把镜头拉得更近，把麦克风对得更准！让全世界看得更清楚，听得更明白！
音乐厅内，气氛陡然变得无比紧张和戏剧化。西方大师席那边，气压低得令人窒息。马尔蒂尼脸上的自信笑容早已荡然无存，只剩下惨白和冷汗。温特沃斯紧紧攥着已经冰凉的烟斗。冯·霍恩海姆闭上了眼睛。其他几位，脸色也都难看到了极点。
他们不仅输了，连“体面退场”的机会，都被对方以这种冷酷而高效的方式剥夺了。全世界现在通过华夏的镜头，看着他们的溃败。而他们，还必须坐在这里，听完剩下的四首……那将是怎样的折磨？
第四轮：遥不可及的星空
维多利亚·阿什伯顿女士几乎是凭着多年舞台经验的本能，强迫自己走上了台。她演奏了自己最拿手、也最受赞誉的《时光的十一幅素描》，试图以细腻的情感刻画和精致的音色变化稳住阵脚。平心而论，她的演奏依然保持着极高的水准，对时光流逝、记忆片段的描绘入木三分。
但她的心已经乱了。在经历了前三首华夏曲子那种级别的冲击后，她的演奏失去了那种从容不迫的、沉浸于自我艺术世界的内在安定感，显得有些“赶”，有些“浮”，华丽的技巧和细腻的音色之下，情感的核心是空的、是慌的。
她几乎是逃也似的结束了演奏，掌声稀稀拉拉——观众的情绪还深深陷在《梦婚礼》的余韵里，没完全出来。
华夏第四位演奏家郑怀古上台。这位老者步履从容，神色平静得仿佛只是去公园散步，他演奏的曲目是——《星空之思》。
音乐响起。
开场是一连串极高、极轻、如同星辰闪烁般的音符，随即，左手在低音区奏出缓慢而深沉的、如同宇宙背景辐射般的持续音型。接着，一条悠远、神秘、充满无尽遐想的主旋律缓缓升起。
这音乐，瞬间将听众从个人情感的漩涡，拉入了无垠的宇宙时空。
它描绘星空，却不止于星空。那旋律中有对浩瀚的敬畏，有对未知的好奇，有对生命在宏大尺度下意义的哲思，也有一种超脱尘世的、宁静的孤独之美。
和声的运用极其精妙，色彩变幻莫测，时而璀璨如银河，时而深邃如黑洞，时而空灵如星云。郑怀古的演奏，触键干净得不染一丝尘埃，音色通透而富有空间感，仿佛他的手指不是在敲击琴键，而是在拨动宇宙的琴弦。
如果说前三首曲子分别征服了“美感”、“力量”和“梦想”，那么这首《星空之思》，征服的是“想象”与“哲思”。它将钢琴音乐的意境，推向了一个更为辽阔、更为形而上的层面。
阿什伯顿那首描绘个人内心时光流逝的《素描》，在这幅浩瀚的宇宙图景面前，顿时显得格局狭小，如同精致的盆栽之于原始森林，书斋里的悲春伤秋之于面对星海的终极追问。
遥不可及。
这是听完《星空之思》后，所有西方大师心中同时升起的四个字。不仅仅是技术或情感的差距，而是一种艺术视野和思想维度的全面碾压。
对方已经不满足于在“音乐”的范畴内比拼，他们开始用音乐探讨宇宙和哲学。而自己这边，还停留在个人情感、民族叙事、技术实验的层面。
第五轮：史诗与喧嚣的终焉
詹姆斯·卡特教授上台时，脸上惯有的那种轻松不羁的笑容消失了。他演奏了一首更加狂放、融合了更多爵士即兴和电子噪音的《都市布鲁斯终极混响》，试图用更强烈的节奏、更刺激的音响来“炸场”，夺回注意力。
效果适得其反。在经历了《星空之思》那种浩瀚宁静的洗礼后，卡特这首充满都市躁动和电子音效的作品，听起来只剩下刺耳的喧嚣和杂乱无章，如同深夜工地的噪音，失去了艺术应有的控制力和美感。他自己也弹得心浮气躁，几个段落甚至出现了明显的失误。
华夏第五位演奏家秦筝上台。她演奏的是——《烽火巴尔干》。
当那充满战争疮痍、民族悲怆、不屈抗争的旋律如同历史洪流般倾泻而出时，整个音乐厅被一种悲壮而崇高的气氛完全笼罩。
这不是个人的情感，这是一个民族的集体记忆和灵魂呐喊。音乐中有战火的呼啸，有家园的哭泣，有战士的怒吼，也有在废墟中依然顽强生长、向往和平的微弱希望。
中段那段如泣如诉、饱含血泪又隐含火山般力量的旋律，让无数听众潸然泪下，灵魂震颤。
而最后辉煌的技巧展现和如同胜利曙光般的结尾，又让人热血沸腾，感受到一种从绝境中重生的、不可摧毁的精神力量。
史诗！真正的音乐史诗！
卡特那首《都市布鲁斯终极混响》在《烽火巴尔干》这幅用血与火、泪与希望绘就的宏伟历史画卷面前，简直成了街头巷尾的无病呻吟，轻浮得可笑，渺小得可怜。
第六轮：寒冬与烈焰
安娜·彼得罗娃教授脸色铁青地上台，她演奏了技巧登峰造极、情感极度压抑后爆发的《
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